jueves, 2 de diciembre de 2010

Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa





Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor Jan van Eyck, Este cuadro representa a Giovanni Arnolfini un rico mercader y a su esposa Jeanne Cenami, quienes vivian en la cuidad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472.
Esta pareja aparece de pie, en su alcoba. El espeso le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su vientre. Esta obra refleja claramente el estilo del autor el cual se caracterizaba por ser un primitivo flamenco donde sobresalen la minuciosidad porque es una pintura concebida para la exhibición domestica, lo que permite verla de cerca, los detalles  se plasman con una escrupulosidad microscópica. El deleite en la reproducción de objetos, el naturalismo pues el autor se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor exactitud posible, aunque al ojo moderno la imagen parezca escasamente realista. La preocupación por la luz y la perspectiva también es importante en este cuadro, la luz que penetra por la ventana es suave y envuelve las formas delicadamente, la claridad se disuelve, poco a poco, en una atmósfera tangible.


En el cuadro se puede ver en primer lugar, la representación de los esposos, que es antagónica y revela los diferentes papeles que cumple cada cual en el matrimonio. El  esposo representa el poder moral de la casa y sostiene con autoridad la mano de su esposa la cual esta agachando la cabeza y tiene su mano izquierda en su vientre, la cual pareciera que esta embarazada pero no es real. Tienen de ropa pesadas túnicas que revelan su alta posición socioeconómica, el tabardo de él es oscuro y sobrio, y ella tiene puesto un vestido, de colores vivos y alegres, con puños de armiño complementados con un collar, varios anillos y un cinturón brocado, todo de oro.

En este cuadro también se puede ver muchos objetos los cuales aparecen sin justificación aparente. Como se puede apreciar en el cuadro todo nos da una sensación de riqueza de la pareja.
Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de Europa por lo que simboliza la riqueza de la familia y la prosperidad económica. Conocidas como "manzanas de Adán", representaban además la fruta prohibida del edén.

La cama tiene relación en la realeza y la nobleza. Representa el lugar donde se nace y se muere. Los tejidos rojos simbolizan la pasión además de proporcionar un poderoso contraste cromático con el verde de la indumentaria femenina. En todo caso, era costumbre de la época, colocar una cama en el salón donde se recibían las visitas. Se usaba para sentarse y también era el lugar donde las madres recién paridas recibían, con su bebé, los parabienes de familiares y amigos.
La alfombra que hay junto a la cama es muy lujosa y cara, muestra la fortuna y posición de la pareja. Los zuecos esparcidos por el suelo representan el vínculo con el suelo sagrado del hogar, ya que ellos están descalzos. También son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa.  Los zapatos de ella son rojos, están cerca de la cama simbolizando que era la encargada del hogar; los de él simbolizan que es él el encargado de trabajar para llevar la prosperidad económica a la casa.



Los rosarios eran un presente habitual del novio a su futura esposa. El cristal es signo de pureza, y el rosario sugiere la virtud de la novia y su obligación de ser devota. El espejo es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad microscópica mide 5’5 centímetros y cada una de las escenas de la pasión que le rodean mide 1’5 centímetros. En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Via crusis y representa que eran muy cristianos y espirituales. Estos pequeños espejos convexos eran muy populares en aquella época se llamaban brujas y se usaban para espantar la mala suerte.

La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza la llama del amor la cual se encendía el primer día boda. Giovanna lleva un elegante vestido verde que es el color de la fertilidad. Nos hace pensar que su pose y la exagerada curvatura del vientre sugieran su fertilidad y que además deseaba estar embarazada cosa que nunca resultó. El perro da un aspecto de gracia en este cuadro. Los perros suelen simbolizar, como aquí, la fidelidad y el amor terrenal.




BIBIOGRAFIA
·         Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, wikipedia, (online)
http://es.wikipedia.org/wiki/Matrimonio_Arnolfini

El “David” de Miguel Ángel y Miguel Ángel Rojas

El “David” de Miguel Ángel y Miguel Ángel Rojas

El David es una escultura realizada por Miguel Ángel Bounarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia. Es una escultura de mármol blanco de 4,1 metros de altura. La escultura representa al Rey David en el momento previo a enfrentarse con Goliat y fue acogida como símbolo de la Republica de Florencia.
Miguel Ángel  nació en Caprese el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma de 18 de Febrero de 1564, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
 El David es de las esculturas las famosas del mundo y es de las obras maestras del Renacimiento según de la mayoría de los historiadores. El trabajo de la escultura incluyo bocetos, dibujos y modelos a pequeña escala de cera y terracota y después paso al trabajo sobre mármol sin hacer modelo de yeso a escala real el David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista.
El David de Miguel Ángel contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. Pero en la versión de Miguel Angel Goliat todavía no aparece todavía vencido. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto. El contrapposto se usa en la escultura para dar sensación de movimiento, su cuerpo se encuentra girado, la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso aparece curvado, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida y la mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.
En el Alto Renacimiento, el contrapposto era considerado un símbolo de la escultura antigua, muy apreciada en la época. El David llegó a convertirse en el paradigma de la escultura renacentista gracias a su inteligente uso del contrapposto. Las proporciones del David no corresponden exactamente a las de la figura humana; su cabeza, manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones del ser humano.[1]
Miguel Ángel Rojas es un artista conceptual colombiano, nació en Bogotá en el año de 1946. Su obra expresada a través del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática relacionada con el consumo y la producción de drogas.
 En esta foto se puede apreciar un joven desnudo similar a la del David, de Miguel Ángel Buonarroti, pero sin una pierna, lo que nos representa un futuro trastornado por la guerra.
El cuerpo herido del soldado profesional José Antonio Ramos se convirtió en el 2005, luego de pasar por la mirada del artista Miguel Ángel Rojas, en una de las obras más significativas del arte colombiano. Resume mediante un acercamiento estético la tragedia de la guerra y lo que puede llegar a significar.
Lo que pocos saben es que esa docena de fotos, de dos metros por uno, es la mitad de la propuesta del artista bogotano. La otra parte, igual de importante a los ojos de su autor, está conformada por lápices que forman la palabra "Quiebramales".
Por eso la instalación, que es la totalidad de la obra, no se llama David, como es conocida popularmente, sino David-quiebramales.
La historia de la foto cuenta: A las siete de la mañana, aparecieron como 12 soldados heridos. Todos tenían amputaciones, pero había uno en una esquina, muy digno". Era José Antonio. En una sesión hicieron fotos de sus piernas, pero el artista pronto entendió que solas no daban la dimensión de la pérdida. Faltaba el cuerpo. En su búsqueda, un video, trató de hacer un molde del cuerpo, hasta que decidió hacer fotos. Al verlo desnudo, Rojas se dio cuenta de que tenía un cuerpo clásico. "¿Le dije: por qué no me posa como el David? Pero él me preguntó: `¿Qué David?' Me di cuenta de su ignorancia, que nunca había visto el David ni sabía quién era su autor. Menos qué fue el Renacimiento. "Me pregunté: ¿Por qué él, alto, blanco y con tipo europeo es carne de cañón, y yo, que soy bastante mestizo, estoy como el intelectual que lo maneja? La respuesta es la educación. Porque mi padre me dio educación; no estuve en el lugar de un soldado raso".[2]
Anteriormente tenemos dos trabajos que nos quiere mostrar el mismo concepto. El concepto de un joven después de la guerra, vemos como en los dos trabajos se puede percibir el dolor del ser humano después de la guerra, después de ser maltratado por la violencia. Estos dos trabajos en cuando a visualización son muy diferentes ya que el David de Miguel Ángel es realizado completamente en yeso y una época muy diferente al David realizado por Migue Ángel Rojas.
El David de Miguel Ángel fue hecho entre 1501 y 1504 una la época del renacimiento en la que estas esculturas son recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Aquí se puede ver la diferencia grande entre la otra propuesta de Miguel Ángel Rojas ya que en esta época no existía la fotografía y todas las obras de arte eran completamente realizadas a mano y no tenían ningún tipo de digitalización. Lo contrario que  pasa con el David quiebramales propuesto por Miguel Ángel Rojas, que vemos como el joven que tiene amputada una mano le posa al autor para una sesión fotográfica. En esta foto se puede apreciar el arte de la fotografía ya que nos deja ver claramente la expresión que tiene el joven de tristeza y de desolación en al fotografía, mostrándonos un rostro ignorante y desolado, completamente derrotado por al guerra que se vive ene le momento.
Entre estos dos trabajos encontramos una diferencia y es que en el David de Miguel Ángel es el cuerpo de Goliat asesinado pero en la escultura Goliat todavía no aparece todavía vencido. Lo contrario que nos muestra el David Quiebramales que aparece en al foto con una pierna amputada lo cual nos indica que fue derrotado y maltratado por la guerra. Entonces aquí podemos encontrar la diferencia entre la época que fueron elaboradas estas obras de arte. La de Miguel Ángel en 1501 y la obra de Miguel Ángel Rojas en el 2005 una época que evidentemente nos refleja un país que vive la violencia día a día.

BIBLIOGRAFIA
·         David de miguel angel. Wikipedia.com. (online).
http://es.wikipedia.org/wiki/David_de_Miguel_%C3%81ngel

·         Miguel Angel Rojas, el David-quiebramles. (online) http://www.colarte.com/recuentos/R/RojasMiguelAngel/critica.htm




[1] David de miguel angel. Wikipedia.com. (online) . http://es.wikipedia.org/wiki/David_de_Miguel_%C3%81ngel
[2] Miguel Angel Rojas, el David-quiebramles. (online) http://www.colarte.com/recuentos/R/RojasMiguelAngel/critica.htm

domingo, 28 de noviembre de 2010

BUENOS AIRES, ¿UNA CUIDAD EUROPEA?



BUENOS AIRES, ¿UNA CUIDAD EUROPEA?


El olor de Buenos Aires, tan eterno como el agua y como el aire, como diría Jorge Luis Borges no es más que el recuerdo de los embelecos fraguados en la Boca, de una suestada proveniente del occidente que trae en su espíritu esa Vieja Europa, de donde Juan Díaz y otros más arribaron a Río del Plata. Esa es Buenos Aires, un ritmo de tango y bailarines vestidos de negro que hay en San Telmo y un paisaje que nos muestra que Europa, no está a millas del Atlántico; que no está tan lejos como creemos.
Muchas personas han dicho que Buenos Aires, es la Europa de América Latina, y, aunque en muchos países han tenido influencias arquitectónicas de artistas europeos, en Buenos Aires se refleja con mayor intensidad en sus edificaciones con un estilo muy francés. Sus calles y monumentos son obras inspiradas en obras renacentistas muy parecidas al periodo renacentista italiano y en general, la manera como está organizada la ciudad difiere de una forma muy particular desde el punto de vista estético.
Culturalmente, Buenos Aires en cuanto a gastronomía tiene mucha influencia europea así como el mismo pensar colectivo de la sociedad, pues es evidente el arraigo de las personas. El tango y las calles viejas, los sabores del buen vino se asemejan en calidad a lo que el occidente ofrece.
Cabe anotar, que Buenos Aires es uno de los lugares en donde mayor número de inmigrantes europeas llegaron, especialmente italianos los cuales se establecieron en el sur del país, lo que hoy en día conocemos como los gauchos.
Es así como se puede en los diferentes lugares de Buenos Aires, construcciones, parques, casas coloniales, restaurantes,  entre otros la gran similitud que tiene esta cuidad con una cuidad europea, no solo físicamente si no, también culturalmente.



EL ARTE, EL DIBUJO Y LA FOTOGRAFÍA

La pieza gráfica realizada muestra la unificación de las diferentes ramas del arte de 3 eras de la historia: antigua, contemporánea y moderna.
En la era antigua el gran avance fue la aparición de la escritura la cual fue generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. Cabe destacar que fue realizada en tablas de arcilla y se basaba en pictografías, a las que se le agregan más adelante anexos silábicos. En la pieza gráfica se representa con el retrato del cantante Ricardo Arjona, en la tapa de su último CD “5to piso”. La elección de la figura de este artista y su último trabajo discográfico fue hecha teniendo en cuenta la era contemporánea, más precisamente la música.
La transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo, un movimiento cultural, estético e intelectual que surge a partir del romanticismo en la segunda mitad del siglo XIX, en Francia. Su influencia llegó a las artes literarias y musicales. Desde mediados de siglo se continúa experimentando en este ámbito y en la diversidad de sus conceptos incorporando nuevas técnicas y efectos sonoros (ya sea en los elementos utilizados para su producción y realización como los avances de postproducción). 
También fue utilizada la fotografía en la pieza, uniendo la era contemporánea con la moderna. Los primeros descubrimientos de esta técnica se realizaron en el año 1816 a cargo de Joseph Nicéphore Niépce utilizando un negativo sobre papel, técnica que fue evolucionando con el tiempo. Nuevamente tenemos que hablar de la evolución de la tecnología para poder decir que en el siglo XX y XXI, la fotografía se popularizó y es utilizada tanto por profesionales como no y, teniendo en cuenta que es un procedimiento que necesita únicamente conocimientos técnicos y que sus precios son accesibles, se logró insertar en las sociedades materialistas y consumistas actuales.
Entonces en esta pieza se puede ver perfectamente como están relacionadas dentro del ámbito del arte tanto el dibujo como la fotografía. Cómo se puede jugar con estos dos conceptos y hacer una pieza de arte.